Ron Arad

Nació en Tel Aviv, en 1951. Estudió en la Academia de Arte de Jerusalén antes de trasladarse a Londres en 1973. Durante cinco años estudió en la Art School of Architecture de la Architectural Association. Al terminar, fundó con Caroline Thorman un estudio de diseño, talleres y show-room, llamado One Off Ltd. Este estudio se incorporó en 1993 a Ron Arad Associates, la empresa fundada en 1989, cuando la producción de piezas se consolidó en los circuitos comerciales. Apasionado por la experimentación afirma que su máxima en el trabajo es “no aburrirme, ni aburrir”. Fue uno de los pioneros del reciclaje, de los que se convirtió en maestro, aunque como él siempre ha reconocido, no le motivó ninguna inquietud ecologista -de hecho, frecuentemente utiliza el plomo en sus trabajos-. A partir de materiales de segunda mano o de desecho, creó alguno de sus diseños más celebrados, como la silla ROVER, fabricada con viejos asientos de coche. Ha participado en varios proyectos arquitectónicos como un hotel en el Kristallwelten de Wattens (Austria), el Museo de Diseño de Holon (Israel), el hotel situado entre las cuatro chimeneas de la azotea de la Central Eléctrica de Battersea (Londres), la tienda de Yohji Yamamoto en Roppongi Hills (Tokio) y la restauración del Hotel Duomo en Rímini (Italia), entre otros. Su manera de entender el diseño amplía los lazos con el arte, consecuencia clara de su formación artística que lo lleva a una fase de producción no industrial antes de introducirse en el mercado. Esta característica y su capacidad para la reutilización de materiales han permitido a Ron Arad obtener varios premios y distinciones, como el Guardó Internacional Barcelona Disseny 2001, concedido en la Primavera del Diseño, o el reconocimiento en 2002 como Royal Designer for Industry (RDI) por sus trabajos de diseño estético y eficiente para la industria.

Se trata de un artista muy original en sus trabajos, si quereis echarle un vistazo a su página encontrareis cosas muy intereantes, además de sus obras de arquitectura: http://www.ronarad.co.uk/

Cushicle & suitalone de Mike Webb (archigram) _ Arquitectura en la memoria

Dentro de los experimentos especulativos de los Archigram nos encontramos en 1966 con el Cushicle y el suitalone en 1967, ambos de Mike Webb. En estos proyectos se indaga sobre concepto de vivienda como cáscara, pensada como un artefacto móvil, fabricada, industrialmente. Los dibujos realizados por Webb exponían una máquina capaz de tener diferentes formas, según las necesidades  del usuario. Con estos dos proyectos se admitía la experiencia nómada del individuo. El Cushicle consistía en un chasis tubular que tenia la posibilidad de ser propulsado, mediante un colchón de aire;  mientras que una membrana con doble recubrimiento de tela, que en combinación con un chasis podía ser hinchada ,dando lugar a una amplia silla o habitáculo estancia. Cushicle, estaría equipado con almacenamiento de alimento y abastecimiento de agua; mientras que en el casco estaría incorporada la  radió y una proyección de televisión en miniatura. Cushile se trataría de un artilugio que permitiese llevar un entorno habitable y completo a la espalda. Una unidad nómada completa, equipada con sus servicios, que tomaría la forma de funcionamiento cuando fuese necesario; ofreciendo al usuario un alto nivel de confort. Este artefacto estaría compuesto; por una  parte la “columna vertebral” donde irían apoyados los sistemas activos y demás aparatos; y por otro lado estaría la funda o piel que funcionaria como habitáculo.

El segundo proyecto, llamado Suitaloon, se presentó bajo el lema “ropa para vivir” o “si no fuese por mi suitaloon me tendría que comprar una casa”. Se trataba de una carcasa hinchable y transportable que podía generar una vivienda cuando fuese necesario. El Suitaloon avanzaba más en la idea de conexión con otros usuarios o suitaloons. Con esta idea se explotaba más el concepto de ropa, como vía para alcanzar una mayor ligereza; además de equiparlo con una especia de ruedas para el autotransporte. El Suitaloon tendría una especie de abertura para facilitar la conexión con otros usuarios con habitáculos, o la entrada de otras personas al propio suitaloon; así como la conexión con otros recintos mayores. Mike Webb realizó una serie de dibujos en los que reflexionaba sobre las relaciones de las personas mediante estos artilugios. Además, el Suitaloone estaría pensado en diversos tamaños, tanto para individuos solos o en tamaño familiar.

La idea final era el establecimiento de una serie de nodos de servicios y otros equipos para que estos habitáculos móviles se incorporasen a un sistema urbano más complejo y extenso, con otros recintos personales dispuestos como semillas interconectadas en un laberinto fragmentado.

En la Trienal  de Milan 1968 David Green presentó un prototipo de estos experimentos donde él mismo realizó una performance, mostrando como funcionaría el Suitaloon. Mediante este prototipo exploraron las cuestiones esenciales de la ventilación, el peso y la transportabilidad; aspectos que no se tuvieron tan en cuenta en los dibujos realizados entre 1966 y 1967 por Mike Webb.

 

 Con el cushicle y el suitalone, muy relacionados con la carrera espacial, candente en aquellos años, Mike Webb comenzó el debate sobre el concepto de vivienda,  alejándose de una idea de vivienda heredada de la  arquitectura  tradicional. Indagó en la simbiosis entre máquina y ser humano, para ofrecer una casa instantánea, llena de confort y flexible a los cambios. En estos proyectos se diluye los términos de arquitectura, vestimenta, espacio, transporte y usuario. Atisbamos con estos proyectos la nostalgia de una arquitectura sensible a los habitantes y al medio. Quizá: una arquitectura cambiante acorde a  un usuario, que de vez en cuando evoluciona .

Mesa Ines Table_Enric Miralles

En la vivienda de Miralles todo es cambiante, como en un tablero de ajedrez, en el que se juega con las piezas pero después todas vuelven a su lugar, para el comienzo del juego. Solo un objeto, en apariencia muy serio, permanece: la mesa que diseñó Miralles. Es de 1993 y el nombre se las trae: Mesa Ines Table. Estaba duplicada en la casa de la calle Avinyó. Viajó al museo de Rotterdam y a la nueva casa de la calle de Mercaders.

Benedetta y el carpintero de la obra regalaron un ejemplar a la biblioteca de Pallafols una vez terminado el edificio. A ella se refiere varias veces Miralles. En primer lugar para indicar que es uno de los temas más difíciles de resolver para un diseñador: “Una vez les pedí a los estudiantes que diseñaran una mesa, pero enseguida me di cuenta de que éste es un problema muy difícil y sofisticado, incluso para mí,” una arrogancia que Miralles lanza como desafío. Miralles sabe de las dificultades, pero sabe de otras cosas que le han hecho visibles éstas dificultades.

Vayamos hacia atrás. En 1993 volvemos a la mesa, poco después de construirla, fresca en la memoria y fuerte en su presencia. Y la descripción no es por un casual, será larga: “(…) me propusieron para una pequeña exposición que construyera una pieza que respondiera a mi modo de pensar, o este tipo de cosas. Les hice esta propuesta. Les propuse trabajar en esta mesa donde casi coinciden bastante con el tema de nuestro trabajo… Esta mesa tiene el tamaño de una habitación, aproximadamente 3x2.80 metros, la forma que va teniendo va modificándose. Con esto es una pieza que, además, permite en el momento en que te sientas o decides en qué lugar vas a trabajar, envolverte alrededor de ti mismo. Yo creo que resumiría esta parte, que os quiero explicar hoy, casi laberíntica, en un objeto. Es una pieza construida en madera de roble, como las de las oficinas de principio de siglo. Construimos dos, que me parece bastante importante: ésta que está allí abajo, y esta que está acá. Esta pieza era casi, para entendernos, como una especie de kit de supervivencia: con esto, una cocina y un baño puedes vivir, creo, además que puedes vivir muy bien… La podría contar relacionada con muchas cosas… Es un instrumento de trabajo y a la vez es un instrumento de reflexión…Yo creo que la dimensión de mis proyectos es un poco la mesa”.

Después de lo dicho pocas cosas pueden añadirse. Miralles lo ha contado casi todo de este objeto que a él le gustaba presentar como metáfora de su trabajo. Seguramente es de las veces que se ha esmerado más en trasladarnos sus preocupaciones.

Jesús Mari Lazkano_arqueología industrial

Lo que pinta Jesus Mari Lazkano, siempre resulta actual, porque aunque, como en este caso, nos represente la "arqueología industrial", al final su obra trata de representar los sentimientos del individuo que vive en nuestros días, y que descubre unas imágenes que significan más de lo que cuentan y que retan a la interpretación.

Esta obra dedicada a las ruinas industriales en el País Vasco, más en concreto, de Bizkaia, es la obra pictórica de Lazkano entre 1985 y 1990. Si tuviésemos que resumir, diríamos que es la historia de la industrialización recién pasada y desvanecida. La nostalgia que alientan sus pinturas procede de las promesas que la modernización puso al alcance de la mano, y el modernismo incumplió.

En resumidas cuentas, esta obra menos conocida de Lazkano, hace una reflexión sobre el tiempo, sobre la ruina (en este caso industrial), coloca al individuo entre los dos puntos extremos de un período de tiempo, de un lado, "los orígenes" perdidos y de otro, el momento presente.
"La ruina produce desasosiego a causa de una pretendida perfeccion extraviada o atropellada y porque en nuestro fuero interno sabemos que el pasado corroe continuamente el futuro con lo que nosotros mismos, como seres humanos, tambien seremos unas ruinas."
Extracciones, y reflexiones del libro: De lo Bello y lo Útil_Recorrido pictórico por algunas ruinas de la industria vizcaína.

LOS LÍMITES DE LO HORIZONTAL
Edificio de Martutene, San Sebastián, al fondo los montes de Mendaro y el paisaje kárstico de Itxina

ASCENSOR DE BEGOÑA, BILBAO
Surge como totem permanente desde la ventana de la buhardilla donde vivía y trabajaba. Su capacidad para actuar como espejo y soporte donde se verifican los cambios. Nada es permanente, ni los hechos, ni nuestra visión de los hechos.

ASCENSOR DE SOLOKOETXE Sobre la infinitud de lo que nos rodea, como atalaya sobre la que sentir lo sublime de nuestra pequeñez. La zozobra de lo que desconocemos.

LOS MOVIMIENTOS LATERALES
De la serie con la escalera helicoidal, que surge en la irresistible ascension de lo fragmentario. Escalera para la salida de los trabajadores en la fábrica pintada para la serie La Catedral, con los montes nevados de Elgoibar y Bergara. Una Naturaleza fría, casi hostil, de la que podemos escapar, quizá por la escalera.

A PARTIR DEL ESPACIO
Frontón de Alonsotegi, cuando estaba sin cubrir, aproximación a lo que para Lazkano es el frontón ideal, que después encontró en Gorozika, ya construido.

LAS MURALLAS NATURALES O EL REPOSO DE LAS EMOCIONES
Lo permanente, el cementerio de Elgoibar, frente a lo contencioso, lo que se desmorona, el acantilado de La Galea. ¿Resistiremos la caída?

HOMENAJE A NEWTON O LA INVERSIÓN DE LOS ELEMENTOS
Una realidad física que no se ve. El módulo construido como espejo Arquitectura-Naturaleza, como historia de apropiación y analogías. Escalera al fondo de la cuestión.

MOLINOS VASCOS I Edificio situado en Zorroza. Impresionante en su porte y falso disfraz. Silos de grano rematados decorativamente con torreta estilísticamente neovasca. Todavía se mantiene en pie.

NACIMIENTO, CRECIMIENTO Y MUERTE DE LA ESTRUCTURA COMO SOLUCIÓN
De la noción de proceso. De lo cncreto e inválido de los métodos para sistematizar. Del fragmento como módulo a una secuencia permanente y el paisaje de fondo que acabará invadiéndolo todo.

A LA ESPERA DEL ÚLTIMO ACONTECIMIENTO
El descubrimiento de la zona de extración mineral entre San Francisco y San Adrián en Bilbao, supuso una mina de ideas. La potencia de su construcción como vestigios fosilizados de lo que un día fueron actividades calientes y ruidosas. Surgida del propio paisaje fegocitándose, comiéndose sus propios cimientos. Como proceso endogámico de autodestrucción, de anarquía, de gloria.

LAS MURALLAS NATURALES O EL GUSTO POR LOS LÍMITES
A partir de las escaleras del pueste de La Salve, en Bilbao, oteamos lo que llega y también, hasta donde podemos llegar. Nuevas ideas, nuevas visiones. El gusto por ir más allá del conocimiento.

LA COMPAÑÍA DE MADERAS
Es otro de los edificios que me viene acompañando desde hace mucho tiempo. Desde el descubrimiento de la polícroma chimenea, a 300 m de la plaza Elíptica, en el centro de Bilbao, apoyado en la barandilla del puente de La Salve, sin imaginar que aquello iba a desaparecer.

luz y metales de Juan Navarro Baldeweg

Durante la Barcelona de 1976, en plena efervescencia cultural, Juan Navarro Baldeweg tiene la suerte de presentar la exposición “Luz y Metales” en la mítica Sala Viçon. El contenido de esta exposición fue  fruto de sus trabajos e investigaciones, durante una beca en el M.I.T (centrer for advanced visual Studies) de Massachussetts entre 1971 y 1975 bajo la tutela de Gyorgy Kepes. Como el mismo Baldeweg comenta, en su conferencia “Horizonte habitable”(11 de Noviembre de 2002) durante su estancia en Massachussetts  exploró “el modo de realizar obras que definen un ámbito natural habitable: una casa del hombre”.   

Juan Navarro presenta una serie de piezas, que reflexionaban sobre la atmósfera. Entre las piezas podemos encontrar: "Cinco unidades de la luz", "La fuente y el drenaje", "sombra Macchia en forma de libro", "Arado", una tienda de campaña, cuyas paredes interiores están revestidas de terciopelo rojo o “Edge of the Sun”. Pero posiblemente, lo más meritório, fue la atmósfera fenomenológica con la que dotó a la sala principal. En esta estancia con lucernario norte y dos ventanales enfrentados, a la cual se accedía mediante una ascenso en escalera; Juan Navarro colocó un columpio detenido en el punto más alto de su oscilación, y capturó los rayos de luz que entraban por los ventanales, con pinceladas azules, verdes, negras, rojas y amarillas. Esta visión del columpio ,sorprendentemente estático, contrastaba con el esfuerzo del visitante al llegar a la sala por las escaleras.

El columpio se presentaba ante el espectador a la altura de sus ojos, recurriendo a la memoria colectiva, al evocar el placer de un niño. Esta congelación del movimiento, estaba potenciada mediante un artilugo hecho con un conjunto tornamesa equipado con unos platillos de orquesta, que realizaban unos sonidos con la frecuencia que debería tener el columpio en movimiento, y que  marcaban el paso del tiempo.

Con este interior Baldeweg ponia de manifiesto las dimensiones esenciales del medio físico. Estos ingredientes, no eran otros que la luz, la gravedad, el horizonte  y la mano. Captura la luz mediante el empleo de la mano, redibujando con trazos sueltos y de colores los rayos de luz  que entran por la ventana, como si se tratase de una máscara superpuesta al ambiente real, imitandola y reflejando la realidad como un eco. Esta superposición de los efectos de la atmosfera exterior sobre la ventana, surgieron de la fascinación de Navarrro Baldeweg al volver a ver la luz mediterranea, tras de su estancia en América. El horizonte se activaba mediante el travelling que suponía la ascensión a la sala, con la primera vista del columpio y la entrada a las sala, continuando con la mirada de los ventanales a izquierda a derecha, dejandonos constancia de la presencia de una fuerza terreste en contraste con el vaiven del columpio. Una especie de sensación de simetría antagónica, un sujetos y libres. La gravedad se manifestaba mediante la presencia detenida e ingrávida del columpio.

Esta recordada exposición de Juan Navarro Baldeweg supuso un verdadero laboratorio de la percepción; consiguiendo este espacio mental suspendido en el tiempo y el instante. Fue sin duda un esfuerzo clarificador, que implicaba la activación del sujeto pasivo, para dejar constancia de ciertas cosas esenciales en el medio físico, como la gravedad, el horizonte, la luz y el espacio. Una verdadera caja de resonancia, para el disfrute perceptivo.

Augusto Pacheco

Augusto Pacheco es un artista colombiano, que actualmente vive y trabaja en Berlín y que ha participado en diferentes proyectos artísticos en Europa. Estudió arquitectura, y en sus obras, se aprecian resquicios de la misma, tal vez de algún tiempo pasado que le vuelve a la memoria.

Se trata del equilibrio perfecto entre arquitectura y arte, y posee, sin duda una obra muy original y auténtica.

A sus obras las llama experimentos, quizás porque las piensa mientras las hace, o tal vez porque para él resultan la culminación en objeto de todo lo que pasa por su cabeza. Lo que nos queda a los que no somos tan privilegiados de tal imaginación, es la contemplación de su arte.

Ciudades invisibles

Estas "ciudades invisibles" pueden llegar a recordarnos alguna de las propuestas de los Candilis, Josic y Woods. Se intercalan el lleno y el vacío, y nos sugieren las vistas aéreas de un mundo imaginario.

Escultura experimental

Se trata de pinturas llevadas a la tercera dimensión: el espacio.Es una unión de pintura con escultura de una forma muy arquitectónica.
 

Arquitectura experimental

Se trata de unas maquetas escultóricas, en las que la sombra proyectada de las mismas cobra cierta importancia artística.

Planos

También nos ofrece unos bocetos de construcciones que están a caballo entre la realidad y la ficción, y con un punto de vista distinto al que solemos estar acostumbrados, como si nos encontrásemos ante un edificio muy alto que vemos desde arriba, pero del que no conseguimos ver donde se posa.

Bilder

He aquí una variación de trabajos anteriores, incluyendoles el color, y combinándolos entre sí para crear nuevas composiciones.

Dibujo

En cuanto al dibujo, tiene una serie de imágenes que nos recuerdan a los móviles de Calder. Impresionantes.

Dentro de esta serie, nos ofrece unos dibujos que nos recuerdan a trozos de ciudades pero distorsionadas,como si tomase diferentes puntos de vista y los uniese dentro de la misma imagen.

Atelier

Estas son algunas de las cosas que hace en el taller, como observamos dentro de el mismo hilo conductor son experiencias muy distintas, abriéndose a métodos de representación muy diferentes.

Zeichnungen

Por último, los dibujos que hicieron que nos fijásemos en este polifacético artista, al que podeis seguir en su blog:

www.a-pacheco.blogspot.com

La verdad es que ha resultado todo un descubrimiento, es uno de los pequeños tesoros que encontramos gracias a internet. Un placer que nos haya dejado comentar un trocito de su obra, porque como ya veréis es muy amplia y toca más terrenos de los que hemos mostrado. Gracias a Augusto por su colaboración y por ofrecernos estos trabajos.